Artistas Ucranianos – Oleksander Arjípenko

Oleksander Arjípenko

Олександер Архипенко nació el 30 de mayo de 1887 en Kyiv, y falleció el 25 de febrero de 1964 en Nueva York. Fue un escultor ucraniano del modernismo, pintor, pedagogo y miembro a tiempo completo del Instituto Internacional de Artes y Literatura, a partir de 1953.

«El Rey Salomón», hecha en 1963

Arjipenko estudió en la Escuela de Arte de Kyiv de 1902 a 1905, en Moscú de 1906 a 1908, y luego brevemente en la École des Beaux-Arts de Paris. Su primera exhibición personal tuvo lugar en Ucrania en 1906. Se mudó a Paris en 1909.

En 1910 expuso sus obras junto a un grupo de cubistas en el Salon des Artistes Indépendants y a partir de ese año exhibió allí su trabajo anualmente hasta 1914. En 1911 aparecieron sus obras en el Salon d’Automne. En 1912, Arjípenko se unió a un grupo artístico nuevo – La Section d’Or, la que contaba con P. Picasso, G. Braque, J. Gris, F. Léger, R. Delaunay, R. de la Fresnaye, J. Villon, F. Picabia, y M. Duchamp dentro de sus miembros. Participó en las exhibiciones del grupo.

«Madona», actualmente en el museo Ilana Goor en Jaffa

En 1912, Arjípenko abrió su propia escuela de arte en Paris. En su exhibición personal en el Volkwang Museum en Hagen, Alemania, en 1912, Arjípenko presentó su «Médrano I»,la primera escultura moderna realizada de varios materiales policromados, incluyendo madera, vidrio y fibras metálicas. Le siguió «Médrano II» entre 1913 y 1914.

Para este momento ya estaba creando sus primeras llamadas «sculpto-peintures», que consistían en relieves tallados y pintados, como «Mujer frente a espejo» de 1916, y la primera escultura moderna compuesta de formas cóncavas contrastantes con otras convexas, e incorporando elementos de color y el vacío, como en «Mujer caminando».

«El Gondolero» – 1914

En 1913 aparecieron las obras de Arjípenko en la muestra llamada «Armory Show» en Nueva York, y realizó también su primera exposición personal en la galería «der Sturm» en Berlin. Al siguiente año, participó en una exposición cubista en Praga y una futurista en Roma, y expuso en ellas las obras «Carrousel Pierrot» o «Boxeando en el Salon des Artistes Indépendants».

Durante la primera guerra mundial estuvo viviendo en Cimiez cerca de Niza en donde, en 1917, desarrolló una instalación cubista, «La Vie Humaine». Luego regresó a París en 1918. De 1919 a 1921, las obrs de Arjípenko fueron presentadas por varias ciudades a lo largo de toda Europa. En 1920 se le otorgó un salón separado en la Bienal de Venecia y, entre 1920 y 1921, sus obras aparecieron en las exposiciones de «La Section d’Or» de Paris, Bruselas, Ginebra, Roma, y varias otras ciudades en los Paises Bajos. En 1921 se mudó a Berlín, en donde estableció una escuela de escultura. Realizó una exhibición retrospectiva en Potsdam y su primera personal en los EEUU, en la «Société Anonyme» de Nueva York.

«Mujer peinando su cabello» – 1915

En 1923 se mudó a los Estados Unidos. Estableció una escuela en Nueva York, y al siguiente años la mudó a Woodstock en Nueva Jersey. En 1927 creó y recibió la patente para sus pinturas cambiantes (peinture changeante) en un aparato conocido como «Archipentura», el que se perdió en 1935-
Además de trabajar en su arte, Arjípenko dedicaba mucho de su tiempo a la enseñanza. Estaba en contacto constante con varias universidades, entre ellas la de Oakland, Los Angeles, Seattle y Chicago. En 1927 se organizó una exhibició de sus obras en Tokyo. En 1929 estableció una escuela de cerámica, Arko, en Nueva York. En 1933 apareció su obra en el salón dedicado a Ucrania en la Exposición del Siglo de Progreso en Chicago.

El regimen nazi confiscó 22 de sus esculturas en museos alemanes durante la década de los 1930s.
En 1937 se mudó a Chicago, en donde estableció su Escuela Moderna de Bellas Artes y Diseño Práctico. En 1947 creó las primeras esculturas a partir de materiales transparentes, plásticos, con iluminación iterna (luz modelada), nombrada «l’art de la réflexion». En 1948 exhibió tales obras en plexiglas en la Galería de Artistas Americanos Asociados en Nueva York.

«Venus» – 1910-11

Entre 1952 y 1953 se exhibió su obra en São Paulo, en Brasil, y también en Guatemala.
Entre 1955 y 1956sus exhibiciones realizaron una gira por Alemania. En 1956 intentó con su «figures tournantes», esculturas que rotaban por medios mecánicos, de madera, madreperla y metal.
En 1959 recibió la medalla de oro en la Bienal llamada «Biennale d’Arte Trivenata» en Padua, Italia. En 1960 apareció su más grande monografía, «Cincuenta años creativos: 1908–1958».

Partes de ella habían aparecido anteriormente en periódicos ucranianos. En 1962 fue electo para pertenecer al Departamento de Arte del Instituto Nacional de Artes de Estados Unidos.

Der Tanz (La danza) – 1912

Sus últimas obras fueron dos grandes bronces, «La Reina de Sheba», en 1961, y «El rey Salomón» en 1964. También 10 litografías llamadas «Les formes vivantes». Entre 1963 y 1964 se realizaron grandes exhibiciones retrospectivas de las esculturas, dibujos e impresos de Arjípenko en Roma, Milán y München. De 1967 a 1969 también se organizaron, post-mórtem, grandes exposiciones retrospectivas por la Universidad de California en 10 museos de ese país, por la Institución Smitsoniana, y también en varios museos de Europa, incluído el Museo Rodin en París. En 1974 se llevó a cabo en Tokyo una enorme exhibición retrospectiva que se tituló «Alexander Arjípenko – Pionero de la Escultura Moderna», que fue seguida por rias más en los Estados Unidos y Europa.

Femme assise (Composición)

Como cubista, utilizó lineas geométricas interdependientes e intrudujo nuevos conceptos y métodos a la escultura. Juan Gris escribió sobra la influencia de Arjípenko sobre el arte de principios del siglo XX: «Arjípenko ddesafió la comprensión tradicional de la escultura. En esa época era generalmente monocromática. Sus piezas estaban pintadas con colores brillantes. En vez de aceptar materiales como el mármol, bronce o yeso, utilizó materiales más triviales como madera, vidrio, metal o alambre. Sus procesos creativos no involucraban tallado o modelado según la tradición aceptada, sino clavado, pegado o atado, sin intento de ocultar los clavos, juntas o costuras. Su proceso se equipara con la experiencia visual de la pintura cubista.»

Sculpto-peinture

Aunque el cubismo formó la base del arte de Arjípenko, no fue la única escuela a la que se se introdujo. Se refería a si mismo de la siguiente manera: «Sobre mi arte, el carácter geométrico de las esculturas tridimensionales (como ejemplo «Boxeando» de 1913 o «Gondolero» de 1914) se debe a la simplificación al extremo de la forma y no al dogma cubista. No lo tomé del cubismo, sino que lo añadí a él».

El propósito de Arjípenko era descubrir las leyes de las relaciones formales a través de un examen preciso de los grandes estilos históricos y la preservación de los antiguos cimientos de las artes plásticas mientras las transformaba a su propia manera. Su pensamiento creativo y lógico era también opuesto a su personalidad dinámica, y ese conflicto dramático dotó a su arte de una vitalidad intrigante.

Le Rendez-Vous des Quatre Formes – Litografía en papel, actualmente en el Smithsoniano

Arjípenko nunca rompió lazos con sus paisanos ucranianos. Durante sus primeros diez años en París, fue miembro del Club de Estudiantes Ucranianos; en Berlín fue miembro de la Hromada Ucraniana; y en los Estados Unidos, miembro de la Asociación de Artistas Ucranianos en USA, en donde presentó muchas de sus obras. Perteneció a la Academia Ucraniana de Artes y Ciencias y al Instituto Ucraniano de América.

Muchas de sus obras están inspiradas en temas ucranianos, como ejemplos el relieve «Ucrani» de 1940, o cuatro bustos de Tarás Shevchenko, uno de ellos en el parque de nacionalidades de Cleveland. También varios bustos de Ivan Franko y del rey Volodymyr «El Grande», además de retratos de personajes importantes de su país de origen. Algunas de sus exposiciones, como la de Chicago, fueron financiadas por grupos ucranianos.

En la Ucrania bajo el dominio soviético, el nombre de Arjípenko nunca fue mencionado antes de su muerte. Cinco de sus esculturas y algunas de sus pinturas que albergaba el Museo de Artes ucranianas en Lviv, fueron destruídas en la década de los 1950s. Aunque su nombre comenzó a aparecer en las publicaciones artísticas durante el período post-Stalin, la monografía de Vitalii Korotych sobre él, fue censurada.

Oleksander Arjípenko alrededor de 1920

Durante la Perestroika a fines de los 1980s, que trajo como resultado la disminución de las censuras y el control del Partido, gradualmente recobró reconocimiento la obra de Arjípenko, dentro de los artistas más importantes del siglo XX. El primer libro dedicado a su obra apareció en Kyiv en 1989, y la primera exhibición de su obra apareció en Kyiv en 2001, y fue titulada «Conservado en Ucrania».

Deja un comentario

Tu dirección de correo electrónico no será publicada. Los campos obligatorios están marcados con *